historia de egipoto

"Dinastias, el imperio de las pirámides"



La historia egipcia o el imperio egipcio nació probablemente de numerosas comunidades urbanas y de distritos campesinos que fueron adhiriéndose a ellas. Estos pequeños estados se unieron y progresivamente formaron dos reinos: el Alto Egipto y el Bajo Egipto. Éste estaba constituido por el territorio del Delta; el Alto Egipto, por las regiones meridionales hasta la primera catarata, cerca de la actual Asúan, inmediatamente al sur de la isla Elefantina. La frontera entre Egipto y Nubia -o Etioía como decían los griegos- parecía fijada para siempre en las cercanías de la primera catarata egipcia.


Los habitantes de la Nubia antigua eran hermanos de raza de los egipcios; es decir, hamitas.


El primer rey egipcio que unió bajo su cetro el Alto y Bajo Egipto sería Menes, originario del Alto Egipto. Ignoramos si Menes fue un personaje histórico o una figura legendaria, si se trata o no del llamado Narmer, ni si la capital, Menfis, conoció un esplendor inmediato. Actualmente, la ipinión más extendida sitúa a Menes hacia el año 3100 antes de Cristo; es decir, hace unos cinco mil años, en lo que se cree son algo así como los comienzos de la historia egipcia.



En la antiguedad, los reyes de Egipto, desde Menes hasta Alejandro Magno, se ordenaban en treinta dinastías (Alejandro conquistó Egipto en el año 332 antes de Cristo). Esta clasificación está basada en las listas de reyes dadas por los sacerdotes, que también comprenden los datos de las reinas. Las veintiséis dinastías registradas por los sacerdotes comprenden todo el príodo faraónico propiamente dicho hasta la conquista de Egipto por los persas en la batalla de Pelusio, en el año 525 antes de Cristo.

La historia de egipcia puede dividirse en diferentes períodos, separados unos de otros ya por una decandecia interior, ya por una dominación extranjera. Para los períodos más antiguos no es posible indicar fechas exactas.

LA CREATIVIDAD Y SU EXPRESIÓN ARTÍSTICA

QUÉ ES LA CREATIVIDAD

Analicemos la palabra creatividad según las diferentes maneras como indicaremos a continuación:
Como sustantivo
Es la capacidad de crear
Como adjetivo
Es lo que da la “cualidad/calidad” de una persona, producto, ambiente o proceso
Como verbo
Es la acción que puede ser desarrollada/aprendida (habilidad, proceso, pensamiento…)
Sintetizando nuestras definiciones anteriores podemos concluir que la creatividad es la capacidad del ser humano de ampliarse y profundizarse a nivel individual y colectivo en distintos ámbitos: lenguaje, tecnología, ciencia, arte, relación y acción en el mundo.
Puede ser desarrollada por cualquier persona y a cualquier edad, no en vano Pablo Picasso diría en una ocasión:” La edad sólo importa cuando uno envejece. Ahora que he llegado a una edad avanzada, bien podría tener veinte años”. El espíritu creativo, lejos de declinar con la edad, puede en realidad ganar fuerza cuando una mujer o un hombre mayor se concentra en lo que en verdad importa.” Pero ese desarrollo ocurre de diferentes maneras generando distintos grados de evolución. El genio sería un ejemplo de grado máximo de desarrollo de esta capacidad.
La creatividad en sí misma no es ni buena ni mala, es el uso de esta capacidad que definirá su calidad moral. Mirar la creatividad desde una perspectiva ética significa considerar la propia vida como una obra de arte y la humanidad como el gran proyecto creativo de cada uno. La creatividad, va implícita en el arte de vivir en el nivel más elevado y más cercano a lo divino. Dios es concebido como “el Creador” por antonomasia.
Sólo quien tiene preguntas encuentra respuestas. Sólo quién tiene el hábito de interrogar a la naturaleza y a la sociedad aprende de la naturaleza y la sociedad. El que no cuestiona nada, no ve nada. El que no sabe nada es capaz de observar nada que valga la pena.
El poder creador presupone una actitud receptiva ante la realidad; una especie de humildad. Quién trata de imponer al cosmos sus ideas y esquemas sin antes escuchar suficientemente la voz de los hechos, se pone en el vía de forzar y violentar las cosas. Acabará dándose de topes contra un muro.
La regularidad en el trabajo, el trabajo metódico, la tenacidad, la práctica, condicionan
para sobrellevar las inevitables etapas de aridez. Muchas veces el creador se parece al alpinista que suda y jadea una y otra vez antes de disfrutar los aires frescos de la cima.
Fundamento fisiológico de la creatividad.
Existe muy poca información accesible sobre la creatividad desde el punto de vista fisiológico, sin embargo, al parecer está ubicada en el hemisferio derecho. La explicación supone que una de las posibles bases fisiológicas de la creatividad es el "desarrollo de niveles jerárquicos de inclusión, asociados con la actividad de circuitos de convergencia". Además, se postula que la creatividad, en alguna medida, se relaciona con la comunicación entre los dos hemisferios (Grinberg,1976).
Elementos del proceso creativo:

• Persona creadora
• Proceso creativo
• Objeto creado.

Hay consenso en que creatividad y creación se relacionan entre sí como la capacidad y el producto.
Aspectos esenciales de la creatividad:

• La producción de algo nuevo
• Que este algo sea valioso.

Ambos criterios se prestan a infinidad de puntos de vista: ¿Qué es lo nuevo? ¿Qué es lo valioso? ¿Quién es el juez que fija los criterios?.
Se puede oscilar desde una acepción muy estricta que dé cabida dentro de la creatividad sólo a obras de gran fama y renombre, hasta un sentido muy elástico de los conceptos de novedad y de valor, que abrace realizaciones modestas y poco trascendentes.
Niveles de creatividad:

• Creación modesta: cuando tiene valor sólo para el individuo, y tal vez para su pequeño círculo de familiares y amigos.

• Creación trascendente al medio: cuando es valorizada también en ambientes profesionales próximos al individuo o al grupo creativo.

• Creación trascendente a la humanidad: cuando permanece válida a través de los países y de las épocas históricas: rebasa el espacio y el tiempo del creador.

Por lo tanto creatividad sería la capacidad de dar origen a cosas nuevas y valiosas; y la capacidad de encontrar nuevos y mejores modos de hacer las cosas.
Combinación de cualidades:

• Poder de la fantasía que trascienda la realidad;
• Capacidad de descubrir relaciones entre las cosas;
• Sensibilidad y fuerza en la percepción;
• Cierto grado de inquietud y anticonformismo;
• Capacidad de visualizar situaciones inéditas;
• Facilidad para imaginar hipótesis;
• Audacia para emprender nuevos caminos.

Características de la persona creativa:

• Espontáneo
• Autocrítico
• Planificador
• Prudente (en su retiro).

Tipos de creatividad:

• Creatividad Eureka: en donde surgen ideas fulminantes o descubrimientos de conceptos originales que suponen un gran salto hacia delante. Es poco frecuente este tipo de creatividad porque hace falta tener un increíble e innato espíritu creativo para inventar por ejemplo la máquina de vapor o la energía nuclear.

• Creatividad secundaria: es un tipo de creatividad que se fija en algo y lo mejora. La mayoría de los cambios son el resultado de muchos pequeños pasos innovadores. Esta clase de creatividad imperante. Un ejemplo es la mejora de un proceso productivo resultado de la sugerencia de los operarios de una planta o crear un vaso deshechable con forma de cono para evitar que lo dejen en cualquier lugar diferente al diseñado para colocarlos.

Maslow fue el primero en describir algunos aspectos de las vivencias creadoras para la evolución de la personalidad. Distingue entre la creatividad primaria, como sería una improvisación jazzística o un dibujo infantil y la creatividad secundaria. Estas se distinguen porque una vez que concluye la regresión voluntaria hacia las profundidades, la pasividad y la apertura al mundo de la inspiración propia de las experiencias cumbre debe ceder el paso a la actividad, al control y al trabajo riguroso.
Al respecto es oportuna la afirmación de Alexander Graham Bell que escribió sobre su proceso inventivo: “Me sorprendió que los huesos del oído humano fuesen tan fuertes en comparación con las delicadas y delgadas membranas sobre las que actúan, y se me ocurrió la idea de que si una membrana tan delicada podía mover unos huesos relativamente tan fuertes, porqué no una pieza más gruesa y sólida iba a mover mi pieza de acero…y de ese modo se ideó el teléfono”.
Ejemplos de la creatividad secundaria son los productos que desarrollan y concretan ideas formuladas por otras personas, como pueden ser puentes, casas, automóviles, experiencias científicas, etc.
Si hacemos una revisión de nuestras “experiencias culminantes” se puede manifestar que son, como la felicidad, momentos transitorios de auto-actualización. Durante esos momentos culminantes estamos más enteros, más integrados y más conscientes de nosotros mismos y del mundo, se siente un desasosiego tal vez producido por esta mezcla de sentimientos.
Hay creadores que han logrado concentrar sus propósitos a través de procesos que les han implicado mucho esfuerzo y perseverancia. Un ejemplo de ello es William Shockley, que obtuvo el premio Nóbel por la invención del transistor. 

KANDINSKY CREADOR DEL ARTEA ABSTRACTO

KANDINSKY
Hasta aquí hemos visto un breve repaso a la biografía y evolución de la obra de Kandinsky, pero no podemos dejar de lado al hombre, al artista, a su calidad humana. Y lo haremos de la mano de su segunda esposa Nina Kandinsky, a quien conoció en 1916 y, prácticamente, ya no se separarían. Por esa época escribió en una carta: Siento como si mi antiguo sueño estuviera más cerca de la realidad. Ya sabes que mi sueño era pintar un gran cuadro cuyo sentido fuera la alegría, la felicidad de la vida o del universo. De pronto siento que la armonía de los colores y las formas son la alegría de este mundo.
Una alumna de Kandinsky en la Bauhaus cuenta que la relación con sus alumnos era muy respetuosa: Admirábamos su claridad y su lógica. Era muy concreto. Todo aquello que decía era evidente e imposible de rebatir. Otro alumno recuerda cómo eran las clases: Kandinsky sabía mucho. Sabía tanto como un sabio oriental. Su saber universal en historia del arte, psicología, historia de la cultura, antropología, etcétera, nos impresionaba. Estábamos fascinados de que estuviera tan convencido de sus teorías. Amábamos, adorábamos y tomábamos ejemplo de su pintura, ya que estábamos seguros de que su trabajo nacía de un convencimiento sincero. Este mismo alumno dice también de él: Me enseñó a hablar en el lenguaje de la pintura y de la vista, de él aprendí las palabras para escribir frases. Para mí Kandinsky era el profesor que me indicaba que todas las formas en la pintura tienen su significado, y no he aprendido a entenderlo por Kandinsky, sino que lo he comprobado por mí mismo guiado por él.
Ya hemos hablado de la importancia de la música en su obra; a este respecto, y tras escuchar Lohengrin, comenta: Tuve que reconocer que el arte en general era mucho más poderoso de lo que me parecía, que por otra parte, poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música. Este pensamiento nunca le abandonó y le llevó, tras diez años de anotaciones, a escribir Sobre lo espiritual en el arte, que contiene todas sus ideas sobre la abstracción. Si la música no utiliza sonidos reales de la naturaleza como el viento en las hojas, el murmullo de los ríos o el canto de los pájaros, ¿por qué no habría de hacer él lo mismo con la pintura? Música en los lienzos, vida interior expresada en colores y formas.
No hay fraude en la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo el arte abstracto). Él sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El siguiente comentario surge de lo más profundo de su alma: En general el color es un medio para sensibilizar directamente al espíritu. El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano. Esta "necesidad interior" es la clave de la obra de Kandinsky, y el artista que emprende una obra sin esta "necesidad interior" sólo obtendrá pobres resultados. Aquello que nace de una necesidad interior y espiritual, es bonito. Es bello, si es hermoso interiormente.
Podríamos definir a Kandinsky como una persona afable, humilde, abierta, muy activo, meticuloso y tremendamente honrado en su trabajo. Por más que no nos guste el arte abstracto, creo que alguien así se merece, como poco, un esfuerzo de comprensión por nuestra parte, antes de condenar su pintura. Algo ve él en el juego de colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos falta desarrollar más la sensibilidad para la pintura. No todo el mundo se emociona o se arroba con el adagio de Albinoni, hace falta gusto y sensibilidad para la música. ¿No estará sucediendo esto mismo con la obra de Kandinsky? Su pintura entraña dificultades para ser entendida, para poder sentirla y emocionarnos, pero quizás el esfuerzo merezca la pena. Si no conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo algo bello, algo internamente hermoso.

arte antiguo mexicano

El arte Antiguo de México también es conocido como Arte Prehispánico en Mesoamérica y corresponde a las manifestaciones artísticas producidas por las culturas que habitaron Mesoamérica desde el periodo conocido como Preclásico hasta la llegada de los la conquista de la corona española producida en 1521.
Antes de hablar propiamente del arte antiguo de México, es importante aclarar dos aspectos. En primer lugar lo referente al término Mesoamérica y en segundo lugar, la cuestión de la periodificación de la historia para este tema.
En 1943 el antropólogo alemán Paul Kircchoff dio el nombre de Mesoamérica a una amplia región geográfica que en tiempos prehistóricos abarcaba desde el estado de Sinaloa y los ríos Lerma y Pánuco al norte, hasta el territorio de la actual Costa Rica.
Kircchoff detectó la presencia de numerosos rasgos culturales -materiales y no materiales- semejantes, en el área que denominó Mesoamérica. Estos rasgos culturales son llamados Patrón Cultural Mesoamericano. El área geográfica en donde no se han encontrado elementos del Patrón Cultural recibe el nombre de Aridoamérica.
Mesoamérica se divide en cinco áreas culturales dependiendo de los sistemas ecológicos donde se asentaron las distintas culturales en cada región.

Arte anstracto

Es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.

Pintura abstracta

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

artistas de mexico

Armando Gómez de Alba

 Artistas de la prolífica plástica mexicana
Destacado pintor mexicano realista y paisajista con inspiración en la temática de su amado México y sus tradiciones, quien tomó interés en pintar escenas de la vida cotidiana y de aquellos personajes que identifican a nuestra cultura. Con todo su colorido y retratando lo autóctono deja una gran huella en las páginas de la historia del arte mexicano
El Maestro Armando Gómez de Alba hace sus estudios en la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes, en 1958 es nombrado maestro por esta institución y en 1976 le es otorgada la medalla de plata como “Gran Maestro” del Arte en este mismo Instituto.
En 1962 ingresa al Frente Nacional de Artes Plásticas donde participa en exposiciones a nivel internacional al lado de grandes maestros del muralismo mexicano y su obra visita países como Hungría, Checoslovaquia, Rumania, Polonia y Yugoslavia.
En 1964 pinta el mural “la Historia de la Tauromaquia” en el Toreo de Cuatro Caminos y en el 65 realiza una exposición itinerante por toda la República Mexicana de un mural transportable por encargo de Ferrocarriles Nacionales de México.
Durante su trayectoria sus obras son adquiridas por diversos coleccionistas de la Unión Americana y  pinta el retrato de Don Benito Juárez para la Legión Masónica Mexicana y en el Palacio de Gobierno de La Paz, en Baja California Sur.  Realiza también por encargo del INAH, las investigaciones etnográficas de Baja California Sur de razas en extinción convirtiéndose en una de sus grandes colecciones.
Por encargo del Arzobispado de México, pinta los retratos de Juan Diego y la Virgen Morena que se encuentran en las oficinas principales de la Catedral y Basílica de Guadalupe.
Es el creador del “Quijote”, una magnifica escultura de 7 metros de alto que se encuentra en el Hospital Español de la Ciudad de México.
A lo largo de su trayectoria el Maestro Gómez de Alba además de realizar una gran cantidad de exposiciones personales, trabajó como escenógrafo de importantes obras teatrales y de televisión.
Sin duda un artista que dejó una profunda huella en el arte mexicano

Arte urbano

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son París, Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti.

El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de las imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público.

Exponentes del arte callejero

El stencil y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en las pegatinas y el póster, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle. Con diferentes ciudades como núcleos del arte callejero, algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, Shepard Fairey, Blek le Rat, Sr. X,Yatusabes, 3ttman, Btoy, Mesa, Ana Botella Crew, Vota Dier y Dr. Hoffman, entre otros.

Con estos artistas, originarios de ciudades como Londres, París, Madrid, y algunas de los Estados Unidos, se ven manifestadas en sus obras no sólo las variantes técnicas y estéticas, sino que también los trasfondos ideológicos. Con Banksy, por ejemplo, se ven manifestadas irónicas figuras que se burlan de la política o de la moral. Por otro lado, el americano Shepard Fairey, a saltado a la fama por una campaña esparcida por toda la ciudad, sin bases o objetivos reales, más que la reproducción de una figura por el medio en sí mismo.

Por otro lado, Blek Le Rat, a alcanzado a presentar su obra en grandes museos destinados al arte moderno.

La idea básico del arte urbano es tomar las calles como una suerte de nuevo museo al aire libre. Sin restricciones, con la libertad total de que todos lo puedan ver y hacer. Aunque, en muchas ciudades, sobre todo el arte realizado con botes de spray, es perseguido duramente por la policía. Multas desproporcionadas y un no menos salvaje gasto en repintar paredes, son algunas de las medidas que los gobiernos más conservadores utilizan para intentar, sin éxito, borrar o esconder, ese arte callejero.

En España, el Niño de las pinturas de Granada ha recibido tantas multas como reconocimientos oficiales.

La vieja escuela, representada en Suso33, Zeta1970, entre otros, han optado por, al igual que lo hiciera el grupo estadounidense Kiss en su momento, pasar de ocultar su cara, a mostrarse tal y como son. De alguna manera, eso ha ocurrido, en virtud de que ciertos artistas callejeros, suelen optar por dejar de trabajar ilegalemente para introducirse en el mercado del arte formal y convencional.

Otros artistas, más jóvenes, innovadores y eterogéneos, como Luzinterruptus, DosJotas, Spidertag, siguen optando por la clandestinidad de su persona y suelen trabajar nocturnamente, como forma de protegerse.

Gracias a espacios contraculturales como El Patio Maravillas o La Tabacalera de Lavapiés el arte urbano ha encontrado nuevos espacios para desarrollar y experimentar, además de ser un punto de reunión y realización de actividades gratuitas como talleres y conferencias.