historia de egipoto

"Dinastias, el imperio de las pirámides"



La historia egipcia o el imperio egipcio nació probablemente de numerosas comunidades urbanas y de distritos campesinos que fueron adhiriéndose a ellas. Estos pequeños estados se unieron y progresivamente formaron dos reinos: el Alto Egipto y el Bajo Egipto. Éste estaba constituido por el territorio del Delta; el Alto Egipto, por las regiones meridionales hasta la primera catarata, cerca de la actual Asúan, inmediatamente al sur de la isla Elefantina. La frontera entre Egipto y Nubia -o Etioía como decían los griegos- parecía fijada para siempre en las cercanías de la primera catarata egipcia.


Los habitantes de la Nubia antigua eran hermanos de raza de los egipcios; es decir, hamitas.


El primer rey egipcio que unió bajo su cetro el Alto y Bajo Egipto sería Menes, originario del Alto Egipto. Ignoramos si Menes fue un personaje histórico o una figura legendaria, si se trata o no del llamado Narmer, ni si la capital, Menfis, conoció un esplendor inmediato. Actualmente, la ipinión más extendida sitúa a Menes hacia el año 3100 antes de Cristo; es decir, hace unos cinco mil años, en lo que se cree son algo así como los comienzos de la historia egipcia.



En la antiguedad, los reyes de Egipto, desde Menes hasta Alejandro Magno, se ordenaban en treinta dinastías (Alejandro conquistó Egipto en el año 332 antes de Cristo). Esta clasificación está basada en las listas de reyes dadas por los sacerdotes, que también comprenden los datos de las reinas. Las veintiséis dinastías registradas por los sacerdotes comprenden todo el príodo faraónico propiamente dicho hasta la conquista de Egipto por los persas en la batalla de Pelusio, en el año 525 antes de Cristo.

La historia de egipcia puede dividirse en diferentes períodos, separados unos de otros ya por una decandecia interior, ya por una dominación extranjera. Para los períodos más antiguos no es posible indicar fechas exactas.

LA CREATIVIDAD Y SU EXPRESIÓN ARTÍSTICA

QUÉ ES LA CREATIVIDAD

Analicemos la palabra creatividad según las diferentes maneras como indicaremos a continuación:
Como sustantivo
Es la capacidad de crear
Como adjetivo
Es lo que da la “cualidad/calidad” de una persona, producto, ambiente o proceso
Como verbo
Es la acción que puede ser desarrollada/aprendida (habilidad, proceso, pensamiento…)
Sintetizando nuestras definiciones anteriores podemos concluir que la creatividad es la capacidad del ser humano de ampliarse y profundizarse a nivel individual y colectivo en distintos ámbitos: lenguaje, tecnología, ciencia, arte, relación y acción en el mundo.
Puede ser desarrollada por cualquier persona y a cualquier edad, no en vano Pablo Picasso diría en una ocasión:” La edad sólo importa cuando uno envejece. Ahora que he llegado a una edad avanzada, bien podría tener veinte años”. El espíritu creativo, lejos de declinar con la edad, puede en realidad ganar fuerza cuando una mujer o un hombre mayor se concentra en lo que en verdad importa.” Pero ese desarrollo ocurre de diferentes maneras generando distintos grados de evolución. El genio sería un ejemplo de grado máximo de desarrollo de esta capacidad.
La creatividad en sí misma no es ni buena ni mala, es el uso de esta capacidad que definirá su calidad moral. Mirar la creatividad desde una perspectiva ética significa considerar la propia vida como una obra de arte y la humanidad como el gran proyecto creativo de cada uno. La creatividad, va implícita en el arte de vivir en el nivel más elevado y más cercano a lo divino. Dios es concebido como “el Creador” por antonomasia.
Sólo quien tiene preguntas encuentra respuestas. Sólo quién tiene el hábito de interrogar a la naturaleza y a la sociedad aprende de la naturaleza y la sociedad. El que no cuestiona nada, no ve nada. El que no sabe nada es capaz de observar nada que valga la pena.
El poder creador presupone una actitud receptiva ante la realidad; una especie de humildad. Quién trata de imponer al cosmos sus ideas y esquemas sin antes escuchar suficientemente la voz de los hechos, se pone en el vía de forzar y violentar las cosas. Acabará dándose de topes contra un muro.
La regularidad en el trabajo, el trabajo metódico, la tenacidad, la práctica, condicionan
para sobrellevar las inevitables etapas de aridez. Muchas veces el creador se parece al alpinista que suda y jadea una y otra vez antes de disfrutar los aires frescos de la cima.
Fundamento fisiológico de la creatividad.
Existe muy poca información accesible sobre la creatividad desde el punto de vista fisiológico, sin embargo, al parecer está ubicada en el hemisferio derecho. La explicación supone que una de las posibles bases fisiológicas de la creatividad es el "desarrollo de niveles jerárquicos de inclusión, asociados con la actividad de circuitos de convergencia". Además, se postula que la creatividad, en alguna medida, se relaciona con la comunicación entre los dos hemisferios (Grinberg,1976).
Elementos del proceso creativo:

• Persona creadora
• Proceso creativo
• Objeto creado.

Hay consenso en que creatividad y creación se relacionan entre sí como la capacidad y el producto.
Aspectos esenciales de la creatividad:

• La producción de algo nuevo
• Que este algo sea valioso.

Ambos criterios se prestan a infinidad de puntos de vista: ¿Qué es lo nuevo? ¿Qué es lo valioso? ¿Quién es el juez que fija los criterios?.
Se puede oscilar desde una acepción muy estricta que dé cabida dentro de la creatividad sólo a obras de gran fama y renombre, hasta un sentido muy elástico de los conceptos de novedad y de valor, que abrace realizaciones modestas y poco trascendentes.
Niveles de creatividad:

• Creación modesta: cuando tiene valor sólo para el individuo, y tal vez para su pequeño círculo de familiares y amigos.

• Creación trascendente al medio: cuando es valorizada también en ambientes profesionales próximos al individuo o al grupo creativo.

• Creación trascendente a la humanidad: cuando permanece válida a través de los países y de las épocas históricas: rebasa el espacio y el tiempo del creador.

Por lo tanto creatividad sería la capacidad de dar origen a cosas nuevas y valiosas; y la capacidad de encontrar nuevos y mejores modos de hacer las cosas.
Combinación de cualidades:

• Poder de la fantasía que trascienda la realidad;
• Capacidad de descubrir relaciones entre las cosas;
• Sensibilidad y fuerza en la percepción;
• Cierto grado de inquietud y anticonformismo;
• Capacidad de visualizar situaciones inéditas;
• Facilidad para imaginar hipótesis;
• Audacia para emprender nuevos caminos.

Características de la persona creativa:

• Espontáneo
• Autocrítico
• Planificador
• Prudente (en su retiro).

Tipos de creatividad:

• Creatividad Eureka: en donde surgen ideas fulminantes o descubrimientos de conceptos originales que suponen un gran salto hacia delante. Es poco frecuente este tipo de creatividad porque hace falta tener un increíble e innato espíritu creativo para inventar por ejemplo la máquina de vapor o la energía nuclear.

• Creatividad secundaria: es un tipo de creatividad que se fija en algo y lo mejora. La mayoría de los cambios son el resultado de muchos pequeños pasos innovadores. Esta clase de creatividad imperante. Un ejemplo es la mejora de un proceso productivo resultado de la sugerencia de los operarios de una planta o crear un vaso deshechable con forma de cono para evitar que lo dejen en cualquier lugar diferente al diseñado para colocarlos.

Maslow fue el primero en describir algunos aspectos de las vivencias creadoras para la evolución de la personalidad. Distingue entre la creatividad primaria, como sería una improvisación jazzística o un dibujo infantil y la creatividad secundaria. Estas se distinguen porque una vez que concluye la regresión voluntaria hacia las profundidades, la pasividad y la apertura al mundo de la inspiración propia de las experiencias cumbre debe ceder el paso a la actividad, al control y al trabajo riguroso.
Al respecto es oportuna la afirmación de Alexander Graham Bell que escribió sobre su proceso inventivo: “Me sorprendió que los huesos del oído humano fuesen tan fuertes en comparación con las delicadas y delgadas membranas sobre las que actúan, y se me ocurrió la idea de que si una membrana tan delicada podía mover unos huesos relativamente tan fuertes, porqué no una pieza más gruesa y sólida iba a mover mi pieza de acero…y de ese modo se ideó el teléfono”.
Ejemplos de la creatividad secundaria son los productos que desarrollan y concretan ideas formuladas por otras personas, como pueden ser puentes, casas, automóviles, experiencias científicas, etc.
Si hacemos una revisión de nuestras “experiencias culminantes” se puede manifestar que son, como la felicidad, momentos transitorios de auto-actualización. Durante esos momentos culminantes estamos más enteros, más integrados y más conscientes de nosotros mismos y del mundo, se siente un desasosiego tal vez producido por esta mezcla de sentimientos.
Hay creadores que han logrado concentrar sus propósitos a través de procesos que les han implicado mucho esfuerzo y perseverancia. Un ejemplo de ello es William Shockley, que obtuvo el premio Nóbel por la invención del transistor. 

KANDINSKY CREADOR DEL ARTEA ABSTRACTO

KANDINSKY
Hasta aquí hemos visto un breve repaso a la biografía y evolución de la obra de Kandinsky, pero no podemos dejar de lado al hombre, al artista, a su calidad humana. Y lo haremos de la mano de su segunda esposa Nina Kandinsky, a quien conoció en 1916 y, prácticamente, ya no se separarían. Por esa época escribió en una carta: Siento como si mi antiguo sueño estuviera más cerca de la realidad. Ya sabes que mi sueño era pintar un gran cuadro cuyo sentido fuera la alegría, la felicidad de la vida o del universo. De pronto siento que la armonía de los colores y las formas son la alegría de este mundo.
Una alumna de Kandinsky en la Bauhaus cuenta que la relación con sus alumnos era muy respetuosa: Admirábamos su claridad y su lógica. Era muy concreto. Todo aquello que decía era evidente e imposible de rebatir. Otro alumno recuerda cómo eran las clases: Kandinsky sabía mucho. Sabía tanto como un sabio oriental. Su saber universal en historia del arte, psicología, historia de la cultura, antropología, etcétera, nos impresionaba. Estábamos fascinados de que estuviera tan convencido de sus teorías. Amábamos, adorábamos y tomábamos ejemplo de su pintura, ya que estábamos seguros de que su trabajo nacía de un convencimiento sincero. Este mismo alumno dice también de él: Me enseñó a hablar en el lenguaje de la pintura y de la vista, de él aprendí las palabras para escribir frases. Para mí Kandinsky era el profesor que me indicaba que todas las formas en la pintura tienen su significado, y no he aprendido a entenderlo por Kandinsky, sino que lo he comprobado por mí mismo guiado por él.
Ya hemos hablado de la importancia de la música en su obra; a este respecto, y tras escuchar Lohengrin, comenta: Tuve que reconocer que el arte en general era mucho más poderoso de lo que me parecía, que por otra parte, poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música. Este pensamiento nunca le abandonó y le llevó, tras diez años de anotaciones, a escribir Sobre lo espiritual en el arte, que contiene todas sus ideas sobre la abstracción. Si la música no utiliza sonidos reales de la naturaleza como el viento en las hojas, el murmullo de los ríos o el canto de los pájaros, ¿por qué no habría de hacer él lo mismo con la pintura? Música en los lienzos, vida interior expresada en colores y formas.
No hay fraude en la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo el arte abstracto). Él sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El siguiente comentario surge de lo más profundo de su alma: En general el color es un medio para sensibilizar directamente al espíritu. El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano. Esta "necesidad interior" es la clave de la obra de Kandinsky, y el artista que emprende una obra sin esta "necesidad interior" sólo obtendrá pobres resultados. Aquello que nace de una necesidad interior y espiritual, es bonito. Es bello, si es hermoso interiormente.
Podríamos definir a Kandinsky como una persona afable, humilde, abierta, muy activo, meticuloso y tremendamente honrado en su trabajo. Por más que no nos guste el arte abstracto, creo que alguien así se merece, como poco, un esfuerzo de comprensión por nuestra parte, antes de condenar su pintura. Algo ve él en el juego de colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos falta desarrollar más la sensibilidad para la pintura. No todo el mundo se emociona o se arroba con el adagio de Albinoni, hace falta gusto y sensibilidad para la música. ¿No estará sucediendo esto mismo con la obra de Kandinsky? Su pintura entraña dificultades para ser entendida, para poder sentirla y emocionarnos, pero quizás el esfuerzo merezca la pena. Si no conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo algo bello, algo internamente hermoso.